Arquitectura Rococó: Qué es, origen, historia y características

Daniela Diana

El rococó es un estilo que se desarrolló principalmente en el sur de Alemania, Austria y Francia, entre 1730 y 1780, caracterizado por un exceso de curvas caprichosas y una profusión de elementos decorativos como conchas, cintas, flores y follaje, que buscaban una elegancia exquisita.

El término rococó deriva de la palabra francesa rocaille , que significa “concha” o “grava”, uno de los elementos decorativos más característicos de este estilo. Se asoció estrechamente con fórmulas decorativas y ornamentales, como la técnica de incrustaciones de conchas y piezas de vidrio, utilizadas en la decoración de cuevas artificiales. Fue un movimiento estético que surgió en Europa entre principios y finales del siglo XVIII, migró a América y sobrevivió en algunas regiones hasta mediados del siglo XIX.

Se caracterizó sobre todo por su naturaleza hedonista y aristocrática, manifestada en delicadeza, elegancia, sensualidad y gracia, y en la preferencia por temas ligeros y sentimentales, donde la línea curva, los colores claros y la asimetría tenían un papel fundamental en la composición de la obra. . A menudo fue objeto de evaluaciones estéticas peyorativas.

Historia

Rococó nació en París alrededor de la década de 1720 y duró hasta aproximadamente 1770 como reacción de la aristocracia francesa contra el suntuoso, palaciego y solemne barroco practicado en el período de Luis XIV. Desde Francia, donde asumió su característica más típica y donde más tarde fue reconocido como patrimonio nacional, Rococó pronto se extendió por toda Europa, pero alterando significativamente sus propósitos y manteniendo el modelo francés solo con la forma externa, con importantes centros de cultivo en Alemania, Inglaterra, Austria e Italia, con alguna representación también en otros lugares, como la Península Ibérica, los países eslavos y nórdicos, incluso llegando a las Américas.

En general, es posible decir que Rococó fue un movimiento artístico europeo, que apareció en Francia, entre los movimientos barroco y arcadio. Visto por muchos como la variación “profana” del barroco, surge desde el momento en que el barroco se libera del tema religioso y comienza a influir en la arquitectura de los palacios civiles. También es posible afirmar que el rococó fue el barroco llevado a la exageración de la decoración.

La expresión “época de la iluminación” es quizás la más frecuentemente asociada con el siglo XVIII. Siglo de relativa paz en Europa, marcado por la Revolución Americana en 1776 y la Revolución Francesa solo en 1789. En el contexto de la historia de las formas y expresiones artísticas, el Siglo de las Luces comenzó bajo el signo del Barroco. Cuando terminó, la gramática estilística del neoclasicismo dominó la creación de artistas. Entre ellos, estaba el rococó. En joyería, muebles, pintura o decoración de interiores de hoteles aristocráticos parisinos, encontrará los elementos que caracterizan al rococó: las líneas curvas, delicadas y fluidas, los colores suaves, el carácter lúdico y mundano de los retratos y fiestas galantes, en las que los pintores representaban las costumbres y actitudes de una sociedad en busca de la felicidad, la alegría de vivir.

Rococó también es conocido como el “estilo de la luz” debido a sus edificios con amplias aberturas y su relación con el siglo XVIII.

En Portugal aparece en numismática alrededor de 1726 y continuó hasta 1790 en los principales dominios artísticos. En la corte y en el sur del país desaparece antes, dando paso al neoclasicismo. Es en las provincias del norte, particularmente en el noroeste, donde se encuentra la versión más original del patrimonio artístico rococó metropolitano, gracias a la talla dorada de formas “gordas” de ciertas iglesias en Oporto, Braga, Guimarães, etc., realizadas por artistas notables en el segundo mitad del siglo XVIII (P. José de Santo António Vilaça, Francisco Pereira Campanhã, etc.) y en la escultura Ganítica, que decora numerosos edificios religiosos y profanos en la zona: iglesia de la Terceira do Carmo (1758-68) de José Figueiredo Seixas Capela do Terço (1756-75); en Viana do Castelo, la capilla de Malheiros Reimões, etc.

En Brasil, el estilo se reveló a fines del siglo XIX, en escultura de madera y esteatita, pintura mural y arquitectura, con José Pereira Arouca, Francisco Xavier de Brito, Manuel da Costa Ataíde y António Francisco Lisboa Aleijadinho.

Escultura Rococó

Debido al gran desarrollo decorativo, la escultura ganó importancia y los escultores rococó abandonaron por completo las líneas del barroco, con esculturas más pequeñas. Aunque usan mármol, prefieren yeso y madera, que aceptan colores más suaves. Los motivos se eligen según la decoración. Incluso artistas famosos, principalmente vinculados a la fabricación de Sèvres, tienen prisa por preparar diseños y modelos. Como recuerdo, los grupos pequeños representan escenas y narran con lenguaje espontáneo y colores brillantes, episodios galantes, juegos y juegos infantiles.

Entre los principales nombres de la escultura en estilo rococó se destacan el italiano Antonio Corradini y el francés Guillaume Coustou, el joven y Étienne-Maurice Falconet, además del brasileño conocido como Aleijadinho, un aprendiz en portugués José Coelho de Noronha.

Pintura rococó

Los pintores más representativos de la época fueron François Boucher, Antoine Watteau y Jean-Honoré Fragonard.

La pintura rococó se divide en dos campos claramente diferentes. Uno forma un documento visual íntimo y despreocupado del estilo de vida y la cosmovisión de las élites europeas del siglo XVIII, y el otro, adaptando elementos de estilo a la decoración monumental de iglesias y palacios, sirvió como un medio para glorificar la fe y del poder civil.

A pesar de su valor como una obra de arte autónoma, la pintura rococó a menudo se concibió como una parte integral de un diseño global de decoración de interiores.

Comenzó a ser criticado desde mediados del siglo XVIII, con el surgimiento de la iluminación, los ideales neoclásicos y burgueses, sobreviviendo hasta la Revolución Francesa, cuando cayó en completo descrédito, acusado de superficial, frívolo, inmoral y puramente decorativo.

A partir de la década de 1830, se volvió a reconocer como un testimonio importante de una determinada fase de la cultura europea y el estilo de vida de un estrato social específico, y como un activo valioso debido a su mérito artístico único y único, donde se plantean preguntas sobre estética que florecería más tarde y se convertiría en el centro del arte moderno.

Principales características

Colores claros; Pasteles y dorados; Representación de la vida profana de la aristocracia; Representación de alegorías; Estilo decorativo; Tiene ligereza en la estructura de los edificios; Unificación del espacio interno, con mayor gracia e intimidad;

Texturas suaves Hay una alegría en la decoración cargada, en la teatralidad, en la refinada artificialidad de los detalles, sin el pesado drama o la religiosidad del barroco. Tratamos, por exageración, de celebrar la alegría de vivir, un espíritu que se expresa incluso en las obras sagradas, en el que el amor de Dios por el hombre ahora toma la forma de una infinidad de angelitos regordetes. Todo es más ligero, como la vida sin preocupaciones en las grandes cortes de París o Viena.

El estilo colorido y galante predomina principalmente en la decoración interior de iglesias, palacios y teatros, pero también produce obras inquietantes en pintura y escultura. Las cúpulas de las iglesias, más pequeñas que las del barroco, se multiplican. La máxima expresión del rococó en la arquitectura del palacio son los pequeños pabellones y refugios de caza en los jardines.

Construidos para el ocio de los miembros de la corte, estos edificios, decorados con marcos en forma de anillos y hojas, transmiten una atmósfera de un mundo ideal. Para completar esta imagen oculta, aparecieron escenas bucólicas en colores pastel en el techo, imitando el cielo.

La arquitectura de los hermanos Asam fue fundamental dentro del rococó. En su serie de iglesias en el sur de Alemania, la decoración se superpone a la estructura y el interior sobre el exterior del edificio, de un diseño más modesto. El paradigma de la sala rococó es el Kaisersaal del Palacio de Wurzburg, donde la ornamentación alcanza un grado de extravagancia casi frágil, como una minucia.

A través de adornos ilusionistas y figuras escultóricas que vuelan, las paredes casi desaparecen, en un efecto mágico de luminosidad. Inaugurado en algunas habitaciones en Versalles, que desarrolla su magnificencia en varios edificios en París (especialmente el Hotel Soubise). Como hito del Rococó Bávaro, está la abadía benedictina de Ottobeuren, realizada por el arquitecto Baltazar Neumann, un arquitecto con rococó, quien entre sus obras es la Iglesia de los Santos en Fracônia con una decoración rococó exuberante, y su obra maestra, el Palacio de la Residencia en Wurzburg, destinado a eclipsar todas las otras residencias principescas de Alemania, y tiene una gran similitud con el Palacio de Versalles, aunque es fundamentalmente germánico. La estructura del edificio muestra, no solo la habilidad arquitectónica de su creador,